ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto nació en la segunda década del siglo XX. Su origen se debe, principalmente, a la reacción en contra del imperialismo, a las circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los mas importantes fenómenos de la historia d el Arte. Durante el siglo XIX, el objeto dentro de la pintura había estado sometido a todo tipo de experimentos, reducido al color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo distorsionado en el Expresionismo, vibrado dinámicamente en el Futurismo y soñado en el Surrealismo, antecedentes todos ellos al arte abstracto. Pero es ahora, en el arte abstracto, cuando se procede definitivamente a su eliminación. El propósito del artista es prescindir de todos los elementos figurativos, concentrando toda su fuerza expresiva en formas y colores que ofrezcan relación con la realidad visual. Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuando formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligero, parcial o completo. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natura.

Number 8. 1949. Jackson Pollock. Expresionismo abstracto. Con Jackson Pollock, la pintura de acción alcanza su punto más alto. Antes de la acción, no hay nada -ni sujeto ni objeto-, ni siquiera un espacio en el que moverse. Pollock parte de la nada, de la gota de color que cea sobre la tela. Sus obras abstractas están cargadas de un fuerte Expresionismo, son muy ricas en color y tienen una estructura difícil de entender. Su técnica del dripping (en inglés, goteado) se realiza mediante salpicaduras de color sobre una tela puesta en suelo. De esta manera, deja un cieto margen al azar y, según Pollock, sin azar no hay existencia, ya que el azar es libertad. Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming, Estados Unidos - 11 de agosto de 1956, Springs, Nueva York, Estados Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX. FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto http://www.epdlp.com/pintor.php?id=338 http://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock

FUTURISMO

"El tiempo y el espacio murieron ayer. Nosotros vivimos dentro del absoluto, porque hemos creado la eterna velocidad omnipresente". Estas palabras de Filippo Tomasso Marinetti resumen los ideales del futurismo. Velocidad, progreso, dinamismo, potencia son palabras sagradas de este movimiento surgido al borde de un siglo predestinado a llegar a la Luna. "El esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras es un objeto más bello que la Victoria de Samotracia." El movimiento futurista es en realidad un exponente de la crisis cultural del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediata las dos guerras mundiales. El futurismo, como todos lo movimientos románticos, surge con la fuerza y el fanatismo de una contracultura. Se lanza contra los museos, las bibliotecas y academia, adopta lógicamente formas políticas -el nacionalismo- y cae cuando estas formas demuestran su falta de consistencia y llevan a Europa a una salvaje guerra de nacionalistas. "Sólo en la lucha se encuentra la belleza. Una obra sin carácter agresivo no puede ser una obra de arte". Para los futuristas todo es movimiento; el espacio sólo existe como un teatro del movimiento. Hasta el color se convierte en una mancha bulliciosa donde los pigmentos se mezclan y se descomponen caóticamente. En resumen, toda la pintura futurista se basa en una sensación óptica; en las telas se representa el movimiento por superposición de imágenes, de la misma manera que en el cine. Las características del futurismo han sido resumidas por los mismos pintores del movimiento: -Todas las formas de imitación deben ser menospreciadas y todas las formas de originalidad deben ser glorificadas. -Debemos rebelarnos contra la tiranía de las palabras armonía y buen gusto (con este tipo de expresiones, demasiado elásticas, -sería fácil demoler las obras de Rembrandt, Goya y Rodin). -Las críticas de arte son inútiles o perjudiciales. -Es necesario hacer limpieza de temas corrompidos y inútiles para poder expresar el remolino vertiginoso de la vida moderna, una vida de acero, fiebre, orgullo y temeraria velocidad. -La acusación de "locos" que se ha utilizado para tener amordazados a los innovadores, debe ser considerada un noble y honorable título. -El complementarismo en pintura es una necesidad absoluta, como el verso libre en poesía y la polifonía en música. -El dinamismo universal tiene que ser plasmado en pintura como una sensación dinámica. -La sinceridad y la virginidad son necesarias, en grado mayor que otro tipo de cualidades, para la interpretación de la naturaleza. -El movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos. _________________________________________________________________________ Estética y formas: Uno de los grandes propósitos de futurismo era poner al espectador en el centro mismo de la tela. Esta idea no era estrictamente original, ya que también Cézanne, Matisse y sus seguidores defendían este tipo de pintura. Los futuristas, sin embargo, obtuvieron de este principio una posibilidad de expresar mejor el movimiento. El invento del cinematógrafo había acostumbrado al espectador a seguir el proceso de una fotografía que se pone en movimiento. Mediante una rápida superposición de imágenes en la retina, el cine había conseguido un sorprendente efecto dinámico; en este mismo principio se basarían los futuristas para obtener la ilusión de movimiento. Desplazando las líneas fundamentales de un objeto se reproducía su dinamismo; para realzar este efecto, utilizaban una vieja técnica que Cézanne ya había usado: la solidificación de la atmósfera. El futurismo no pasó nunca de ser un arte simbólico, esencialmente intelectual; surgía de una intuición literaria o filosófica y buscaba una expresión plástica. Por eso tuvo una duración muy corta y fue abandonado por muchos artistas que lo habían creado. Sus posibilidades plásticas eran muy limitadas. Los pintores futuristas estaban conmocionados por un remolino vertiginoso de emociones. Sonidos, olores, colores, formas...; era necesario pintarlo todo. _________________________________________________________________________ Orígenes y desarrollo: El fundador y alma del futurismo tenía que ser el poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944). El 20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro el "Primer manifiesto del futurismo". El 11 de abril del mismo año se proclamó otro manifiesto más técnico. Los mítines y las manifestaciones futuristas acababan normalmente en batalla campal. Sus dirigentes eran maestros en el arte de la propaganda y habían captado la importancia que en aquella época se daba al sensacionalismo. Las publicaciones futuristas utilizaban siempre un tono altisonante digno de figurar en las páginas de sucesos de un periódico sensacionalista; de aquí viene que el movimiento consiguiera tanta popularidad. Desde el punto de vista histórico, el futurismo surge como una natural evolución de las ideas postimpresionistas. Para dar una imagen estricta y analítica de la realidad, los futuristas necesitaban utilizar un análisis de los colores y de las formas. Seurat y el divisionismo les daban resuelto el primer problema cromático. Picasso y los cubistas aportaban soluciones para el segundo aspecto: la descomposición de las formas y la distribución de los diferentes planos del cuadro.

Umberto Boccioni _ 'La calle ante la casa', 1911. En lo que respecta a sus obras, Boccioni ha expresado magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia en sus obras, dejando su estilo bien marcado. Si bien este artista se ve fuertemente influenciado por el cubismo, siempre ha evitado la línea recta y ha utilizado los colores complementarios para crear un efecto de vibración. Boccioni además de expresarse eficazmente con la paleta de colores en mano y un lienzo en frente, ha sabido mostrar su arte por medio de maravillosas esculturas, Umberto ha sabido cuando despreciar, lo que ha hecho a menudo, los materiales nobles como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal, ya que él deseaba mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante. Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0710.html http://el-idealista-artistico.blogspot.com.ar/2010_06_01_archive.html http://es.wikipedia.org/wiki/Umberto_Boccioni

CUBISMO

El cubismo es un movimiento artístico desarrollado principalmente entre 1907 y 1914, cuyas principales aportaciones consisten en: -Una nueva interpretación del espacio -La renovación de las técnicas -El uso de un lenguaje formal geometrizante Es la primera investigación analítica sobre la estructura funcional de la obra de arte. A la configuración de este movimiento, concurren: -La primera gran exposición de la obra de Cézanne (1907) -El fenómeno Rousseau (arte naif) -El aprovechamiento de soluciones del arte negro y polinesio El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma. El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

Fábrica de Horta del Ebro. 1909. Pablo Picasso. Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Picasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio, es decir la descomposición en planos de su pintura; la representación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, es decir, la simultaneidad y la fusión de imágenes. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://www.pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0707.html http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso#Primeras_pinturas http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

FAUVISMO

El arte del siglo XX se caracteriza por que esta configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una linea de tiempo. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrio el cambio. Cada cual trajo sus tendencias. Los filósofos aportan con sus teorias reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorias. Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista. El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista. Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados. El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.

La Ratlla Verda- Henri matisse. En la obra, vemos retratada a la esposa de Matisse. Es posible observar en su rostro un aspecto duro y ligero a la vez. La mirada de la mujer se encuentra ligeramente desviada hacia un punto fuera del cuadro del pintor. La cara de la mujer se aleja de un aspecto femenino, al contrario, las formas son bruscas y de carácter duro. Lo más importante, es notar el juego de líneas y colores que Matisse plasma en su obra. Una característica del arte fauvista es el juego de colores, y en la obra presente, esta característica es claramente notable. Esta es una de las obras más destacadas del famoso Matisse. Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://fauvismosigloxx.wordpress.com/imagenes/ http://fauvismosigloxx.wordpress.com/ http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse

EXPRESIONISMO

¿Cuándo? fue un movimiento surgido en Alemania a principios del siglo XIX.Su primera manifestación soincidió en el tiempo con la aparición del fovismo Francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas "vanguardias históricas". Es un fiel reflejo de las circunstancias históticas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Podemos situar a la obra "Caballito Azul" de Franz Marc dentro de este período, ya que fue realizada en el año 1912, durante un viaje del autor a Paris. _______________________________________________________________________ ¿Cómo? Tal como se ve reflejado en la obra de Marc, los pintores que pertenecieron al expresionismo utilizaban colores violentos y una temática de soledad y miseria. Se desarrolló a través del caracter expresivo de los medios plasticos, que cobraron una significación metasfística, abriendo los sentidos al mundo interior. Además, mediante la distracción de la realidad pretendian impactar al espectador, llegar a su lado mas emotivo e interior. _______________________________________________________________________ ¿Qué? "¿hay un problema mas misterioso, se preguntaba Marc, que la imagen de la naturaleza tal como la ve un animal? ¿Cómo ven el mundo un águila, un caballo o un perro? ¡qué poberes y que chatos son nuestros convencionalismo! situamos a un animal en un paisaje de boseque o de llanura, que miramos con nuestro propios ojos, en lugar de sumergirnos y abismarnos en el alma del animal para penetrar en su campo visual" A través de estas palabras nos podemos dar cuenta de lo que Franz quería expresar en sus obras, y sumergirnos dentro de sus pensamientos y contexto. Los expresionistas defendían un arte más intuitivo y personal, donde predominase la visión inetrior del artista, la "Expersión". Este movimiento reflejó la amargura que invadió a los cirulos artístico e intelectuales de la Alemania Prebélica, así como de la primera gerra mundial y del periodo de entregerras. Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginacion y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, apacionamiento y los temas prohibidos (lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido). Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad. _______________________________________________________________________ ¿Quién? la obra que seleccionamos, Caballito Azul, pertenece a Franz Marc (1880-1916). Fue un pintor alemán, nacido en Munic. Al principio cursó en esta ciudad estudios de tecnología y de filosofía; pero decidió consagrarse a la pintura y entró en la Academia. Sufrió la influencia de Nestlé, pintor animalista, asi como la del grupo Modern Style "pie shcolle".

En la obra "Caballito Azul" de Franz Marc podemos observar en el centro, como su título lo indica, un caballo azul. Como fondo un paisaje de montañas con vegetación escasa. Está representada en un lienzo con pinturas al óleo. Marc cree que el color tenía un vocabulario de las claves emocionales que instintivamente entienden, tanto de la misma manera que entienden la música. Este lenguaje de los colores era una herramienta que Marc utiliza para elevar su arte, otra fue la elección de su tema. Los animales simbolizan una época de inocencia como el Edén de la caída, sin el materialismo y la corrupción de su propio tiempo. Además son vistos como criaturas idealizadas en perfecta armonía con el mundo natural que habitan. El fondo está compuesto por formas geométricas que se fusionan el tema con el fondo. En mi opinión el caballo representa la libertad, juventud , el instinto y el impulso. El paisaje muestra la inmensidad del mundo, los diferentes caminos que podemos elegir y las dificultades de cada uno. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm

POSTIMPRESIONISMO

¿Cuándo? El término postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos finales del sigo XIX y principios del XX tras el impresionismo. _______________________________________________________________________ ¿Qué? Plasmaban en sus obras la vida real pero intentando añadir emoción y expresión a su pintura. El color se hace representativo y subjetivo,es decir, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión de cada persona que interpreta la obra. _______________________________________________________________________ ¿Cómo? Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles, trazos singulares, intentando recuperar las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. _______________________________________________________________________ ¿Quién? El artista fue cambiado hasta convertirse en un impresionista, es decir,en el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro. Los pintores postimpresionistas Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas. Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria.. Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,... Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

La noche estrellada(1889) Vicent Van Gogh Heredero del Impresionismo, Van Gogh fue capaz de crear un estilo muy personal, más allá de la luz y el color. Su obra es un claro ejemplo de cómo la pintura puede expresar las emociones y tensiones humanas. Artistas como Munch y el movimiento Expresionista lo tomaron poco después como modelo para representar las angustias de la sociedad que los rodeaba. _________________________________________________________________________ FUENTE DE INFORMACIÓN: http://www.portaleureka.com/accesible/arte/115-arte/272-noche-estrellada-van-gogh http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/el-postimpresionismo.html

EL REALISMO PICTÓRICO

El siglo XIX es uno de los períodos claves de nuestra reciente historia dados los vertiginosos cambios sociales y políticos que en él se sucedieron. Sin embargo no puede concebirse este siglo como una unidad. En cuanto llega a su primera mitad se rompe y parece dejar atrás definitivamente los planteamientos opuestos entre clasicismo y romanticismo, dando paso al realismo. Los clásicos permanecían mirando hacia el pasado en busca de modelos. Los románticos se habían rebelado contra el culto a la razón de los ilustrados y se movían en una evasión imaginaria, sus lemas eran "sentimiento, imaginación, invención, añoranza". El Realismo es el culto al progreso, se intenta romper con todo lo viejo para construir un mundo nuevo fundado en lo concreto. El Realismo pictórico, es un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.

El realismo es un término confuso y de muy difícil definición en lo que respecta a las artes plásticas; en general, sólo alude a una cierta actitud del artista frente a la realidad, en la que la plasmación de ésta no tiene que ser necesariamente copia o imitación, aunque sí ajustarse a una cierta visión generalizada.

El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo del momento de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el Realismo no puede idealizar. El manifiesto se basaba en lo siguiente:

La única fuente de inspiración en el arte es la realidad.

No admite ningún tipo de belleza preconcebida. La única belleza válida es la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.

Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que es la que debe descubrir el artista.

El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Con ello, las condiciones de vida económica y social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías. Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar estas lacras.

INFORMACIÓN EXTRAÍDA DE: http://www.monografias.com/trabajos82/realismo-pictorico/realismo-pictorico.shtml

Jean François Millet (1841-1875), hijo de campesinos pobres, fue uno de los máximos representantes de la Escuela de Barbizón. Se distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la miseria que éste trae consigo. Contempló de cerca la situación en la que vivía, pero no la denunció en sus pinturas, sino que la representó tal y como era, plasmó la realidad. Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras.
En esta pintura muestra el trabajo rural, pero haciendo hincapié en lo social. Tres campesinas ataviadas con la vestimenta típica normanda recogen inclinadas los restos de la cosecha, el trabajo más duro y menos reconocido entre las tareas rurales. Sus posturas reflejan la fatiga que provoca su labor. Los personajes se sitúan en primer plano elevándolos a la categoría de héroes y la iluminación infiere dramatismo a toda la escena.

________________________________________________________________________ FUENTE DE INFORMACIÓN: http://www.monografias.com/trabajos82/realismo-pictorico/realismo-pictorico2.shtml