REFLEXÓN

En esta primera etapa de la materia puedo destacar que conocí mas sobre la historia de varios artistas y al movimiento al que pertenecen cada uno. Las vanguardias me parecieron muy interesantes, ya que me permite conocer la serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística. En conclusión me pareció muy interesante, ya que nos sirve para conocer mejor la literatura española y sus raíces.

NEOEXPRESIONISMO

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. El desarrollo del neoexpresionismo alemán está representado por dos generaciones con planteamientos algo diferentes. La primera generación está formada por artistas nacidos durante la segunda guerra mundial, entre los que se encuentran los considerados como padres del movimiento. La segunda generación, casi toda ella nacida en los años cincuenta, es más radical y está formada por la llamada "Heftige Malerei" y por el grupo de la "Mülheimer Freinheit" (Libertad de Mülheim) que practican una pintura basada en una estética de lo feo y de la destrucción. En EE.UU. el equivalente a las nuevas tendencias figurativo-expresivas europeas es la llamada "nueva imagen" así como la figuración gaffiti, la llamada bad painting y el movimiento del pattern & decoration, que introducen planteamientos nuevos. ________________________________________________________________________ CARACTERÍSTICAS - Retorno a las imágenes de tipo expresionista. - Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores. - Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes. - Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo. - Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra. - Ejecución de trazos amplios. - Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco). - Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.). - Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana. - Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).

Antiguas Botellas- David Salle Óleo y acrílico sobre lienzo.La característica principal del estilo de David Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. En esta imagen vemos la inserción de signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Vémos que su imagen tiene un cierto aire ingenuo, torpe, está expresamente mal pintada, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico. ________________________________________________________________________ David Salle:David Salle (Norman, Oklahoma, 1952) es un pintor estaunidense. Salle estudió en el California Institute of the Arts, donde fue alumno de John Baldessari; aquí empezó a utilizar en su pintura técnicas cinematográficas como el montaje y la pantalla dividida. Tras terminar sus estudios, se trasladó a Nueva York, donde vive y trabaja, y donde ha cosechado un enorme éxito de crítica y público. Se le ha adscrito a diversas tendencias del arte postmoderno norteamericano, como el Neoexpresionismo, el Simulacionismo, el Bad painting o la New Image Painting. Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en dípticos y trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas. ________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo http://alsegarra.blogspot.com.ar/2008/05/neoexpresionismo.html http://es.wikipedia.org/wiki/David_Salle http://www.google.com.ar/search?hl=es&cp=13&gs_id=1l&xhr=t&q=david+salle+obras&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&um=1&ie=UTF-8&tbm=isch&source=og&sa=N&tab=wi&ei=LtGVT_XjJ4XM9QSU8tXxAw&biw=1360&bih=624&sei=MdGVT970OYSu8ASlyqSZBA

HIPERREALISMO

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. El arte pop es el percusor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen. En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

Vidrios azules. Jorge dager: Anteriores y próximas al estilo de la escuela impresionista moderna, han encontrado estudiosos del arte ciertas decoraciones murales pompeyanas que, representan plantas, frutos y enseres de mesa, con la delicada gracia y fantasía del dibujo y los contrastes de colores y luces. Los objetos figuraban en la pintura medioeval porque tenían un sentido. En las vanitas ovanidades los objetos representados eran símbolos de lo breve y finito de la vida: un recordatorio y una advertencia acerca de la relatividad del conocimiento, la ciencia, la riqueza, el goce de los placeres y de la belleza. La fruta pasada, era la decadencia; las burbujas, la brevedad de la vida y, los instrumentos musicales, la naturaleza efímera de la existencia. En el arte europeo, estos bodegones moralizantes se hicieron inseparables de la devoción de católicos y protestantes. Pone la fruta en el tope de la plenitud y le confiere presencia con atributos de sacralidad cósmica o hierofanía. El compositor popular sucrense Luis Mariano Rivera cantó al mango como “muy nuestro”, ese mango que crece espontáneamente en la zona intertropical americana, vino de la India, los portugueses lo llevaron al Brasil y navegado llegó a Venezuela a través de Trinidad... Ese fruto, Jorge Dáger lo celebra, celebra el mango que la muchachada derriba del árbol, recoge del camino para devorarlo con fruición espontánea, en cualquier hora de solaz. Celebra así mismo la feria de colores, luces, texturas frutales, aromas y sabores de América como parchitas, limones, naranjas, lechozas, peras, ciruelas, caimitos,… cada uno de estos frutos, “sus frutos” tienen algo que contar. ________________________________________________________________________ Biografía de Jorge Dáger:Un acercamiento a la obra de Jorge Dáger nos remite a lo originario del hombre y su entorno: la Naturaleza. En varias entrevistas el artista ha definido su trabajo: –Como me gusta la realidad, pinto la realidad–. Su pintura está empapada de realismo y, sobre todo, de ancha y generosa terredad, de obsequiosa pulpa frutal que remueve los sentidos y las emociones de una manera plena y total. orge Dáger capta y captura en sus bodegones una “hiper visualidad directa y fundamental” como escribió Milagros Bello. Su pintura a base de ángulos forzados, close-up o enfoques macro, está resuelta a base de luces y de sombras tajantes con sugerentes y enfáticos signos de puntuación. Él capta y captura sus conceptos, confiriendo otro sentido a lo literal visual en el formato engrandecido. Los bodegones de Dáger son tropos del trópico, metáforas visuales del equinoccio, sus presencias festivas y celebratorias son una morada. Pueden ser a la vez una llamada y una alerta que invita a preservar el legado ambiental y cultural que es nuestro. ________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://www.artelista.com/hiperrealismo.html http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo http://jorgedager.com/estudios.html http://ar.dir.groups.yahoo.com/group/amigasenpinturadecorativaenlaweb/message/2134

POP ART

El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958.El término Op- Art se acuñó por un articulo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el termino se adoptó como el nombre oficial de este movimiento. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. El arte óptico se caracteriza por varios aspectos: - la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte Cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o dicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. El observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obras sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

BLAZE. Bridget Riley Vemos como Riley adopta el Op Art en esta pintura. Utiliza formas geométricas (lineas) en diferentes direcciones , sutilmente diferentes en tamaño , que conforman un circulo - remolino en el cual el ojo se pierde(característica del Arte Óptico, le da sentido de movimiento). El color, como en sus principios, se mantiene entre el blanco y el negro. ________________________________________________________________________ Bridget Riley (nacida en Londres, Reino Unido, Bridget Riley (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward. ________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art http://www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/cinetico.html http://www.diversica.com/cultura/archivos/2007/01/arte-optico.php http://es.wikipedia.org/wiki/Bridget_Riley

OP ART

Historia y nacimiento: Nos centramos en 1964, concretamente en los Estados Unidos. Es un país todavía consternado por el asesinato del presidente Kennedy, momento de auge de los movimientos a favor de los derechos sociales, y momento de invasión la música pop / rock. En general, nos centramos en un momento en el que la gente está demasiado obsesionada en conseguir un estilo de vida idílico. Dadas las circunstancias, es el momento perfecto para el nacimiento de un nuevo movimiento artístico. Llegamos al octubre de 1964. Un artículo describe éste nuevo estilo de arte. La revista Times utiliza la palabra “Optical Art”, o “Op Art” como es más conocido. El término se refiere al hecho de que el Op Art hace hincapié en las ilusiones, y muchas veces aparece en el ojo humano para ser movido o acompañado en una precisa, y matemática composición. En 1965 la mayor exposición de Op Art se titula The Responsive Eye (el ojo sensible). Es en aquella exposición donde la gente queda fascinada por el nuevo movimiento. Como resultado, el Op Art empieza a extenderse en diferentes medios como, por ejemplo, en gráficas, publicidad televisiva, e incluso en algún álbum LP como motif cool para vestir una preciosa decoración interior. De todas formas, el término poco a poco coge más fuerza. Por ejemplo, en una exhibición de 1960 coinciden muchas gentes que habían estudiado aspectos relacionados con éste estilo. Por ejemplo, Victor Asaraly rompe fronteras cuando en 1938 pinta “Zebra”, una gráfica que le galardona como uno de los pioneros del estilo. Por su parte, M.C. Escher, el estilo del cual muchas veces se le ha relacionado con el Op Art, crea trabajos con perspectivas apasionantes y recursos que ayudarán a las maneras e inquietudes de artistas posteriores. Como movimiento no oficial, el Op Art ha ido cogiendo vida a lo largo de los años. Eso no significa que cada artista haya cedido a utilizar el Op Art como su estilo desde 1969. Bridget Riley es un artista notable que se ha movido desde piezas acromáticas a cromáticas, pero ha estado creando Op Art desde que empezó hasta hoy. Además, cualquiera que haya pasado a través de un programa de bellas artes probablemente tenga uno o varios proyectos Op Art creados durante la teoría de los colores. Por otra parte, cabe decir que en los años actuales, llenos de máquinas digitales, el Op Art es muchas veces visto con cierto desconcierto. No es extraño imaginar que cualquier persona con un ordenador pueda producir productos parecidos al Op Art. En cierta manera es verdad, ya que cualquiera puede tener un ordenador y fácilmente un programa de diseño gráfico. Pero también es cierto que éste no era el caso de principios de los sesenta, ni tampoco de 1938, momento en que la Zebra de Vasarely’s habló por si sola. Es por todo ello que consideramos que el Op Art representa un gran trato con las matemáticas, las habilidades técnicas y la planificación, más allá de que cualquiera pueda tener un ordenador. En resumen, el Op Art creado a mano merece respeto, por lo menos. ________________________________________________________________________ Características técnicas: En lo que se refiere a las características claves del estilo podemos decir primero y principalmente, que el Op Art existe para idiotizar el ojo. Las composiciones Op crean un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento. Por ejemplo, el cuadro de Bridget Riley (1977) titulado Dominance Portfolio nos da la sensación de que las olas empiezan a bailar por delante de nuestros ojos aunque sabemos que, como es comprensible, cualquier obra de Op Art es plana, estática y bidimensional. Los ojos empiezan a enviar al cerebro el mensaje de que aquello es visto como algo que oscila, parpadea, late y otros verbos que puedan emplearse para decir: “éste dibujo se está moviendo!”. Una segunda característica del estilo es que como se basa geométricamente en la natura, el Op Art es en la mayoría de las ocasiones, no representativo. En tercer lugar, los elementos empleados (color, líneas, y formas) son cuidadosamente empleados para encontrar el efecto máximo. Seguidamente, las técnicas que utiliza el Op Art son habitualmente la yuxtaposición del color (con matices cromáticos identificables) o acromático (negro, blanco o gris). Finalmente, en el Op Art a diferencia de otros estilos, los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia. Op Art no puede ser creado sin ambos.

Tigres (1938) Victor Vasarely: En esta obra vemos el estudio de la continuidad perceptiva, con líneas curvas que provocan movimiento también en sentido curvo. Este movimiento en superficies planas se crea retorciendo los cuerpos, diferenciando los contornos a través del contrate de líneas gruesas y estrechas así como de los coloree delos cuerpos y fondos. En esta pintura observamos como Vasarely retuerce a los animales de dos en dos , contraponiendo a este equilibrio de figuras el enfrentamiento de las cabezas. Centrándonos en Tigres (1938) vemos como lo que interesa de la obra, las figuras, quedan encerradas por el marco que forman las cabezas y rabos enfrentados. ________________________________________________________________________ Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas). ________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Vasarely http://opartpublicitario.blogspot.com.ar/2011/01/1-caracteristicas-principales-del.html http://html.rincondelvago.com/victor-vasarely.html

SURREALISMO

Surgió en Francia, en el año 1924 siglo XX. El surrealismo surge a partir de la teoría de Sigmund Freud, en el descubrimiento del inconsciente. Fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginación y lo irreal(sueños); como los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón. Se caracterizaba por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización. El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926. Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración. Oscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen)

Magritte, los amantes- 1928. Los amantes de René Magritte es uno de esos cuadros de los que se dicen que han derramado muchos ríos de tinta. Hoy este tópico habría que actualizarlo y decir que es uno de los cuadros que figura en innumerables blogs.El pintor belga René Magritte, padre de Los Amantes, logra llamar la atención del público por las telas húmedas cubriendo los rostros de los protagonistas y por los colores duros del lienzo. Hay un predominio del granate, azul y negro, destacando el blanco por encima de todos para subrayar el efecto mojado de las telas que los cubren.René Magritte pintó Los Amantes en 1928, dieciséis años después de que su madre se suicidase tirándose al río Sambre. Parece que no, pero esta información es muy importante para entender el significado del cuadro. ________________________________________________________________________ René Magritte: Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al substituir a la mujer por un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas. ________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://www.arteespana.com/surrealismo.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo#T.C3.A9cnicas_surrealistas http://www.pucpr.edu/facultad/pperez/101/arte_surrealista.htm http://pvciesluanco.blogspot.com/2010/02/el-surrealismo.html

DADAÍSMO

Se dice que el término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El dadaísmo no estaba fundado bajo ninguna teoría, siempre fue una protesta. Una protesta contra todo lo que ocurría en el momento(La I Guerra Mundial), fue un movimiento mas bien revolucionario que no causo mucha aceptación de la gente, pero fue un movimiento que enseño a ver las cosas de una manera distinta, diferente. ________________________________________________________________________ Forma y lugar de aparicion Apareció en 1916 en Suiza de la mano de Tristán Tzara. Es un movimiento escandaloso con distintos manifiestos. En 1917 apareció la revista Dadá, se empieza a extender, surgen más revistas. Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendio hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo Zurich (nombre que recibía el grupo de artistas dadaístas en Suiza) se unieron a los dadaístas franceses de Paris. Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares. ________________________________________________________________________ Contexto Histórico El movimiento surge durante la Guerra Mundial, como un acto de rebeldía, de contestación de los valores que habían llevado al caos bélico ________________________________________________________________________ Características -Transgresión de las normas sociales y tradiciones estéticas -Nihilismo, esto es, negación absoluta. No hay verdades eternas o indiscutibles -Libertad del subconsciente en la creación -Rechazo a los modelos establecidos El dadaísmo se lanza contra los fundamentos mismos del pensamiento, poniendo en duda el lenguaje, la coherencia y las formas de expresión artísticas de entonces. Las palabras se convierten en gritos y aullidos; se prefieren los objetos encontrados casualmente, los desechos. Se rompen todas las reglas con la idea de “empezar de nuevo”. El movimiento integra poetas, escritores, pintores y músicos. _________________________________________________________________________ Christian Schad: biografía del autor(21 de agosto de 1894 en Miesbach, Oberbayern - 25 de febrero de 1982) fue un pintor alemán relacionado con el movimiento de la Nueva objetividad. Schad estudió en la academia de arte de Munich. En 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta. A partir de 1918, Schad desarrolló su propia versión del fotograma (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz); Schad llamó a sus fotogramas «schadografías», en los que se imprimía una silueta sobre papel sensible a la luz. En 1920, pasó un año en Roma y Nápoles. En esta época desarrolló su amistad con el escritor y dadaísta Walter Serner. En 1925, emigró a Viena. Sus pinturas de este periodo están asociadas al movimiento de la Nueva objetividad. A finales de los años veinte, regresó a Berlín, donde se estableció. Aunque muchos consideran que él debió horrorizarse por el nazismo, lo cierto es que su arte no resultó condenado de la misma manera que el resto de artistas de la Nueva objetividad como Otto Dix, George Grosz, y Max Beckmann.

«Autoretrat amb model» (1927) Se pueden ver en el óleo reflejadas algunas características que hacen especial esta obra: por un lado la mirada escéptica del personaje que aparece en primer plano, una mirada dirigida al espectador y a la vez a sus pensamientos más íntimos. Por otro, la camisola verde transparente que deja al descubierto su desnudez y que nos recuerda las túnicas del florentino Pontormo. Se nos oculta y se nos revela al mismo tiempo creando una tensión que contrasta con el tono de piel del personaje femenino. El hombre está sentado en el borde la cama mientras que la mujer continúa tumbada en la cama apoyada sobre unos almohadones. Desnuda con elegancia sólo muestra como única vestimenta, dos accesorios, a saber, la media roja que queda interrumpida por el borde del cuadro y un lazo negro en su mano izquierda. Su sexo queda protegido del espectador por el torso del hombre aunque su dedo índice nos indique la dirección del camino que debemos tomar. Aunque sus pezones continúen en cierta medida erectos, no hay nada que nos empuje a pensar en la pasión. Ni tan siquiera en ningún grado de intimidad. Que han practicado sexo no lo dudamos: cuerpos desnudos y sábanas revueltas, incluso la orquídea nos ofrece la pista sobre la sexual situación, sin embargo existe una fría distancia que convierte el acto en una demostración aséptica y esterilizada, casi animal con la ciudad como único testigo. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Christian_Schad http://html.rincondelvago.com/dadaismo_1.html

ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto nació en la segunda década del siglo XX. Su origen se debe, principalmente, a la reacción en contra del imperialismo, a las circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los mas importantes fenómenos de la historia d el Arte. Durante el siglo XIX, el objeto dentro de la pintura había estado sometido a todo tipo de experimentos, reducido al color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo distorsionado en el Expresionismo, vibrado dinámicamente en el Futurismo y soñado en el Surrealismo, antecedentes todos ellos al arte abstracto. Pero es ahora, en el arte abstracto, cuando se procede definitivamente a su eliminación. El propósito del artista es prescindir de todos los elementos figurativos, concentrando toda su fuerza expresiva en formas y colores que ofrezcan relación con la realidad visual. Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuando formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligero, parcial o completo. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natura.

Number 8. 1949. Jackson Pollock. Expresionismo abstracto. Con Jackson Pollock, la pintura de acción alcanza su punto más alto. Antes de la acción, no hay nada -ni sujeto ni objeto-, ni siquiera un espacio en el que moverse. Pollock parte de la nada, de la gota de color que cea sobre la tela. Sus obras abstractas están cargadas de un fuerte Expresionismo, son muy ricas en color y tienen una estructura difícil de entender. Su técnica del dripping (en inglés, goteado) se realiza mediante salpicaduras de color sobre una tela puesta en suelo. De esta manera, deja un cieto margen al azar y, según Pollock, sin azar no hay existencia, ya que el azar es libertad. Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912, Cody, Wyoming, Estados Unidos - 11 de agosto de 1956, Springs, Nueva York, Estados Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX. FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto http://www.epdlp.com/pintor.php?id=338 http://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock

FUTURISMO

"El tiempo y el espacio murieron ayer. Nosotros vivimos dentro del absoluto, porque hemos creado la eterna velocidad omnipresente". Estas palabras de Filippo Tomasso Marinetti resumen los ideales del futurismo. Velocidad, progreso, dinamismo, potencia son palabras sagradas de este movimiento surgido al borde de un siglo predestinado a llegar a la Luna. "El esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras es un objeto más bello que la Victoria de Samotracia." El movimiento futurista es en realidad un exponente de la crisis cultural del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediata las dos guerras mundiales. El futurismo, como todos lo movimientos románticos, surge con la fuerza y el fanatismo de una contracultura. Se lanza contra los museos, las bibliotecas y academia, adopta lógicamente formas políticas -el nacionalismo- y cae cuando estas formas demuestran su falta de consistencia y llevan a Europa a una salvaje guerra de nacionalistas. "Sólo en la lucha se encuentra la belleza. Una obra sin carácter agresivo no puede ser una obra de arte". Para los futuristas todo es movimiento; el espacio sólo existe como un teatro del movimiento. Hasta el color se convierte en una mancha bulliciosa donde los pigmentos se mezclan y se descomponen caóticamente. En resumen, toda la pintura futurista se basa en una sensación óptica; en las telas se representa el movimiento por superposición de imágenes, de la misma manera que en el cine. Las características del futurismo han sido resumidas por los mismos pintores del movimiento: -Todas las formas de imitación deben ser menospreciadas y todas las formas de originalidad deben ser glorificadas. -Debemos rebelarnos contra la tiranía de las palabras armonía y buen gusto (con este tipo de expresiones, demasiado elásticas, -sería fácil demoler las obras de Rembrandt, Goya y Rodin). -Las críticas de arte son inútiles o perjudiciales. -Es necesario hacer limpieza de temas corrompidos y inútiles para poder expresar el remolino vertiginoso de la vida moderna, una vida de acero, fiebre, orgullo y temeraria velocidad. -La acusación de "locos" que se ha utilizado para tener amordazados a los innovadores, debe ser considerada un noble y honorable título. -El complementarismo en pintura es una necesidad absoluta, como el verso libre en poesía y la polifonía en música. -El dinamismo universal tiene que ser plasmado en pintura como una sensación dinámica. -La sinceridad y la virginidad son necesarias, en grado mayor que otro tipo de cualidades, para la interpretación de la naturaleza. -El movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos. _________________________________________________________________________ Estética y formas: Uno de los grandes propósitos de futurismo era poner al espectador en el centro mismo de la tela. Esta idea no era estrictamente original, ya que también Cézanne, Matisse y sus seguidores defendían este tipo de pintura. Los futuristas, sin embargo, obtuvieron de este principio una posibilidad de expresar mejor el movimiento. El invento del cinematógrafo había acostumbrado al espectador a seguir el proceso de una fotografía que se pone en movimiento. Mediante una rápida superposición de imágenes en la retina, el cine había conseguido un sorprendente efecto dinámico; en este mismo principio se basarían los futuristas para obtener la ilusión de movimiento. Desplazando las líneas fundamentales de un objeto se reproducía su dinamismo; para realzar este efecto, utilizaban una vieja técnica que Cézanne ya había usado: la solidificación de la atmósfera. El futurismo no pasó nunca de ser un arte simbólico, esencialmente intelectual; surgía de una intuición literaria o filosófica y buscaba una expresión plástica. Por eso tuvo una duración muy corta y fue abandonado por muchos artistas que lo habían creado. Sus posibilidades plásticas eran muy limitadas. Los pintores futuristas estaban conmocionados por un remolino vertiginoso de emociones. Sonidos, olores, colores, formas...; era necesario pintarlo todo. _________________________________________________________________________ Orígenes y desarrollo: El fundador y alma del futurismo tenía que ser el poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944). El 20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro el "Primer manifiesto del futurismo". El 11 de abril del mismo año se proclamó otro manifiesto más técnico. Los mítines y las manifestaciones futuristas acababan normalmente en batalla campal. Sus dirigentes eran maestros en el arte de la propaganda y habían captado la importancia que en aquella época se daba al sensacionalismo. Las publicaciones futuristas utilizaban siempre un tono altisonante digno de figurar en las páginas de sucesos de un periódico sensacionalista; de aquí viene que el movimiento consiguiera tanta popularidad. Desde el punto de vista histórico, el futurismo surge como una natural evolución de las ideas postimpresionistas. Para dar una imagen estricta y analítica de la realidad, los futuristas necesitaban utilizar un análisis de los colores y de las formas. Seurat y el divisionismo les daban resuelto el primer problema cromático. Picasso y los cubistas aportaban soluciones para el segundo aspecto: la descomposición de las formas y la distribución de los diferentes planos del cuadro.

Umberto Boccioni _ 'La calle ante la casa', 1911. En lo que respecta a sus obras, Boccioni ha expresado magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia en sus obras, dejando su estilo bien marcado. Si bien este artista se ve fuertemente influenciado por el cubismo, siempre ha evitado la línea recta y ha utilizado los colores complementarios para crear un efecto de vibración. Boccioni además de expresarse eficazmente con la paleta de colores en mano y un lienzo en frente, ha sabido mostrar su arte por medio de maravillosas esculturas, Umberto ha sabido cuando despreciar, lo que ha hecho a menudo, los materiales nobles como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal, ya que él deseaba mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante. Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0710.html http://el-idealista-artistico.blogspot.com.ar/2010_06_01_archive.html http://es.wikipedia.org/wiki/Umberto_Boccioni

CUBISMO

El cubismo es un movimiento artístico desarrollado principalmente entre 1907 y 1914, cuyas principales aportaciones consisten en: -Una nueva interpretación del espacio -La renovación de las técnicas -El uso de un lenguaje formal geometrizante Es la primera investigación analítica sobre la estructura funcional de la obra de arte. A la configuración de este movimiento, concurren: -La primera gran exposición de la obra de Cézanne (1907) -El fenómeno Rousseau (arte naif) -El aprovechamiento de soluciones del arte negro y polinesio El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma. El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

Fábrica de Horta del Ebro. 1909. Pablo Picasso. Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Picasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio, es decir la descomposición en planos de su pintura; la representación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, es decir, la simultaneidad y la fusión de imágenes. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://www.pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0707.html http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso#Primeras_pinturas http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

FAUVISMO

El arte del siglo XX se caracteriza por que esta configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una linea de tiempo. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrio el cambio. Cada cual trajo sus tendencias. Los filósofos aportan con sus teorias reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorias. Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista. El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista. Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados. El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.

La Ratlla Verda- Henri matisse. En la obra, vemos retratada a la esposa de Matisse. Es posible observar en su rostro un aspecto duro y ligero a la vez. La mirada de la mujer se encuentra ligeramente desviada hacia un punto fuera del cuadro del pintor. La cara de la mujer se aleja de un aspecto femenino, al contrario, las formas son bruscas y de carácter duro. Lo más importante, es notar el juego de líneas y colores que Matisse plasma en su obra. Una característica del arte fauvista es el juego de colores, y en la obra presente, esta característica es claramente notable. Esta es una de las obras más destacadas del famoso Matisse. Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://fauvismosigloxx.wordpress.com/imagenes/ http://fauvismosigloxx.wordpress.com/ http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse

EXPRESIONISMO

¿Cuándo? fue un movimiento surgido en Alemania a principios del siglo XIX.Su primera manifestación soincidió en el tiempo con la aparición del fovismo Francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas "vanguardias históricas". Es un fiel reflejo de las circunstancias históticas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Podemos situar a la obra "Caballito Azul" de Franz Marc dentro de este período, ya que fue realizada en el año 1912, durante un viaje del autor a Paris. _______________________________________________________________________ ¿Cómo? Tal como se ve reflejado en la obra de Marc, los pintores que pertenecieron al expresionismo utilizaban colores violentos y una temática de soledad y miseria. Se desarrolló a través del caracter expresivo de los medios plasticos, que cobraron una significación metasfística, abriendo los sentidos al mundo interior. Además, mediante la distracción de la realidad pretendian impactar al espectador, llegar a su lado mas emotivo e interior. _______________________________________________________________________ ¿Qué? "¿hay un problema mas misterioso, se preguntaba Marc, que la imagen de la naturaleza tal como la ve un animal? ¿Cómo ven el mundo un águila, un caballo o un perro? ¡qué poberes y que chatos son nuestros convencionalismo! situamos a un animal en un paisaje de boseque o de llanura, que miramos con nuestro propios ojos, en lugar de sumergirnos y abismarnos en el alma del animal para penetrar en su campo visual" A través de estas palabras nos podemos dar cuenta de lo que Franz quería expresar en sus obras, y sumergirnos dentro de sus pensamientos y contexto. Los expresionistas defendían un arte más intuitivo y personal, donde predominase la visión inetrior del artista, la "Expersión". Este movimiento reflejó la amargura que invadió a los cirulos artístico e intelectuales de la Alemania Prebélica, así como de la primera gerra mundial y del periodo de entregerras. Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginacion y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, apacionamiento y los temas prohibidos (lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido). Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad. _______________________________________________________________________ ¿Quién? la obra que seleccionamos, Caballito Azul, pertenece a Franz Marc (1880-1916). Fue un pintor alemán, nacido en Munic. Al principio cursó en esta ciudad estudios de tecnología y de filosofía; pero decidió consagrarse a la pintura y entró en la Academia. Sufrió la influencia de Nestlé, pintor animalista, asi como la del grupo Modern Style "pie shcolle".

En la obra "Caballito Azul" de Franz Marc podemos observar en el centro, como su título lo indica, un caballo azul. Como fondo un paisaje de montañas con vegetación escasa. Está representada en un lienzo con pinturas al óleo. Marc cree que el color tenía un vocabulario de las claves emocionales que instintivamente entienden, tanto de la misma manera que entienden la música. Este lenguaje de los colores era una herramienta que Marc utiliza para elevar su arte, otra fue la elección de su tema. Los animales simbolizan una época de inocencia como el Edén de la caída, sin el materialismo y la corrupción de su propio tiempo. Además son vistos como criaturas idealizadas en perfecta armonía con el mundo natural que habitan. El fondo está compuesto por formas geométricas que se fusionan el tema con el fondo. En mi opinión el caballo representa la libertad, juventud , el instinto y el impulso. El paisaje muestra la inmensidad del mundo, los diferentes caminos que podemos elegir y las dificultades de cada uno. _________________________________________________________________________ FUENTES DE INFORMACIÓN: http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm

POSTIMPRESIONISMO

¿Cuándo? El término postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos finales del sigo XIX y principios del XX tras el impresionismo. _______________________________________________________________________ ¿Qué? Plasmaban en sus obras la vida real pero intentando añadir emoción y expresión a su pintura. El color se hace representativo y subjetivo,es decir, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión de cada persona que interpreta la obra. _______________________________________________________________________ ¿Cómo? Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles, trazos singulares, intentando recuperar las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. _______________________________________________________________________ ¿Quién? El artista fue cambiado hasta convertirse en un impresionista, es decir,en el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro. Los pintores postimpresionistas Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas. Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria.. Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,... Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

La noche estrellada(1889) Vicent Van Gogh Heredero del Impresionismo, Van Gogh fue capaz de crear un estilo muy personal, más allá de la luz y el color. Su obra es un claro ejemplo de cómo la pintura puede expresar las emociones y tensiones humanas. Artistas como Munch y el movimiento Expresionista lo tomaron poco después como modelo para representar las angustias de la sociedad que los rodeaba. _________________________________________________________________________ FUENTE DE INFORMACIÓN: http://www.portaleureka.com/accesible/arte/115-arte/272-noche-estrellada-van-gogh http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/el-postimpresionismo.html